en escena
El espectáculo de El Querandí: la propia historia del tango, en una sola sala
Por qué el cuadro no se limita a bailar: recorre las épocas, y cómo se ve realmente cada una.
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| Época | Años | Qué es |
|---|---|---|
| Los inmigrantes y el arrabal | Décadas de 1880 a 1900 | El tango antes de tener un escenario: la música de los márgenes de la ciudad |
| Gardel, la canción de tango | 1917–1935 | Los años en que el tango encontró una voz, a través de Carlos Gardel |
| Salones y milongas | Décadas de 1930 a 1950 | La edad de oro: el tango se traslada al interior, a los salones de baile y las orquestas |
| Piazzolla y la modernidad | De la década de 1950 hasta hoy | El tango se vuelve hacia el escenario del concierto |
Un solo espectáculo, no un solo estilo
La mayoría de los espectáculos de tango con cena en Buenos Aires representan una única versión pulida del baile a lo largo de todo su repertorio: un look, un sonido, un vestuario, repetidos durante toda la velada. La propuesta de El Querandí es distinta: escenifica el tango como una historia de ciento cincuenta años, con el cuadro recorriendo varias épocas bien diferenciadas de la música en lugar de un solo estilo durante setenta y cinco minutos seguidos. Es una estructura más ambiciosa para un espectáculo con cena, y cambia el ritmo de la noche: el repertorio tiene un principio, un desarrollo y un final de un modo que un espectáculo de un solo estilo no tiene.
Dónde comienza
La primera sección pertenece al arrabal: los márgenes más pobres de Buenos Aires donde el tango se bailó por primera vez, décadas antes de tener un escenario, un público o el refinamiento que más tarde adquirió en los salones de la ciudad. Es más áspero y menos coreografiado por diseño, más cercano a una danza folclórica que encuentra su forma que a una pieza de espectáculo. Es también la parte de la historia del tango que la mayoría de los espectáculos con cena omite por completo, ya que es menos espectacular de inmediato que lo que viene después; El Querandí abre con ella de todos modos, bajo la premisa de que el arco completo significa empezar por el verdadero comienzo.
Los años de Gardel
La siguiente sección abarca aproximadamente de 1917 a 1935, cuando Carlos Gardel convirtió el tango en una forma cantada tanto como bailada. Antes de Gardel, el tango era principalmente instrumental y bailable; sus grabaciones le dieron letras, una voz y, según la mayoría de los relatos, su primer público real fuera de Argentina. Esta es la época con la que la mayoría de los visitantes no argentinos tiene cierta familiaridad previa, aunque solo sea por el nombre de Gardel, y el espectáculo la trata como el punto de inflexión en el que el tango dejó de ser puramente local.
La época dorada
Desde la década de 1930 hasta la de 1950, el tango se trasladó al interior, a los grandes salones y bailes de la ciudad, y adoptó las orquestas completas —secciones de bandoneón, cuerdas, piano— que la mayoría de la gente asocia hoy con la expresión «orquesta de tango». Esta es la cultura de la milonga que sigue siendo reconocible hoy en los verdaderos salones de baile social de Buenos Aires, y es la sección del espectáculo de El Querandí que más se acerca a lo que la mayoría de los visitantes primerizos imagina cuando piensa en «un espectáculo de tango»: parejas, una orquesta, un salón de baile.
Piazzolla y después
La sección final lleva, según la propia versión de la casa, el nombre de Astor Piazzolla, el compositor y bandoneonista que apartó el tango del salón de baile y lo acercó al escenario del concierto a partir de la década de 1950, fusionándolo con el jazz y la estructura clásica en lo que suele llamarse nuevo tango. Es la parte más moderna en cuanto a sonido y la menos estrictamente bailable del repertorio, y es deliberadamente la que cierra el espectáculo, llevando el arco de ciento cincuenta años hasta algo parecido al presente.
Seis bailarines, un cuarteto
A lo largo de las cuatro secciones, el cuadro lo forman seis bailarines —tres parejas— acompañados por un cuarteto de acordeón (de la familia del bandoneón), violonchelo, violín y piano, en lugar de la orquesta más numerosa que habría tenido un salón de la época dorada. Es una producción de sala pequeña por diseño, a la medida del recinto de unas 190 butacas en el que se presenta, y no ampliada para un teatro: los mismos cuatro músicos sostienen la partitura desde los orígenes ásperos del arrabal hasta los arreglos más complejos de Piazzolla.